Teatro de creación colectiva para la convivencia

Solas podemos hacer muy poco; juntas podemos hacer mucho” Helen Keller

La doctora Esther Uria de la Universidad del País Vasco pronunció la conferencia inaugural con el título «Teatro de creación colectiva para la convivencia» en las Jornadas de Teatro en la Educación que el Máster en Teatro Aplicado (UV) organizamos en colaboración con el CEFIRE Artísticoexpresivo de la Comunitat Valenciana.

Las Jornadas T&E se celebraron el día 25 de mayo en la Sala Inestable de Valencia y constaban de conferencias, talleres y comunicaciones destinadas al profesorado de primaria y secundaria interesado en las técnicas dramáticas como herramienta didáctica.

En la conferencia Esther Uria nos compartió su viaje personal descubriendo las claves que han ido construyendo su pensamiento sobre el teatro de creación colectiva. Para ella la persona facilitadora, es decir la que hace fácil, ha de manifestar su saber hacer como:

  • Dramaturga: que construye el andamiaje del producto que se va a representar.
  • Directora: que gestiona los recursos y las voces de los distintos agentes que participan en la creación del espectáculo.
  • Intérprete: adoptando el papel del «Teacher in role».
  • Educadora: generando las condiciones para que ocurra el aprendizaje.
  • Autoespectadora: mediante una observación crítica tanto de la escena externa como interna.

Todo esto se puede resumir en la figura de la artista-pedagoga: intersección entre el teatro y la educación.

A continuación, planteó las fases del proceso de creación colectiva que las concretó en:

  1. Exploración. Aquí planteo cuáles son los objetivos que permiten la convivencia centrados en el «saber ser» y en el «saber vivir juntos». Los puntos de partida de esta fase pueden ser tan diversos como los estímulos que  nos permitan desencadenar procesos de creación: textos, imágenes, músicas y sonidos, objetos, etc. Por otra parte, en este proceso para la creación colectiva con adolescentes se deben trabajar temáticas que les despierten interés.
  2. Construcción. Aquí es donde se utilizan las estrategias dramáticas como la improvisación, el chequeo del pensamiento, la silla caliente, el callejón de la conciencia, el teatcher in role, etc. La finalidad del uso de estas técnicas dramáticas no es únicamente dar voz a los colectivos, sino escuchar sus propuestas y conectar con las personas desde la curiosidad más genuina.
  3. Presentación. La finalidad de esta fase es la visibilización del producto, la responsabilidad individual y colectiva, la colaboración y el reconocimiento del público.

Cada una de estas fases está marcado por el compromiso hacia el cuidado, creando un espacio seguro; compromiso hacia la reflexión, es decir se trata de un pensamiento en acción utilizando una pedagogía problematizadora que se orienta hacia una acción reflexiva y una confección horizontal y democrática; compromiso con la estética, ya que el proceso de creación se ha de centrar en el pensamiento sensible, más allá del pensamiento lógico y de la conciencia de la comunicación; y por último, el compromiso hacia la participación, dado que se trata de presentar un producto inacabado que interpele a la audiencia en un espacio diabólico y de reflexión, de creatividad y de experimentación.

La ponente cerro su intervención haciendo suya la idea de que el profesor en tanto que artista pedagogo como profesional práctico reflexión no ha de asumir  el rol de gurú, sino mosstrarse abierto al poder persuasivo de la inteligencia colectiva.

 

Nuevas orientaciones de teatro/drama en educación

Para plantear otear  los nuevos horizontes del teatro/drama en la educación es necesario plantearse cuáles son los principios que lo sustentan. En este sentido, contemplamos que están basados en lo que llamamos el círculo virtuoso que está formado por los elementos siguientes elementos: expresión, presencia, socialización, creatividad y valoración. Y todos ellos sustentados en la aceptación.

  • Expresión. El significado etimológico de la palabra “expresión” podría ser este: “extraer lo que está presionado” o “sacar presionando”.  En lo referente a la idea de sacar algo hacia fuera, el teatro/drama en educación es sin duda un instrumento idóneo para ello, un espacio libre de juicios y prejuicios en el que poder expresarse libremente. Para conseguir este clima, como ya se ha anunciado, todo comienza con la aceptación, y previamente con la escucha.
  • Presencia. La atención siempre debe ser depositada en el aquí y el ahora, incluso cuando esas coordenadas espaciotemporales sean imaginadas. Es decir, se está aquí y ahora en el aula en la que se está trabajando y en un horario académico determinado, pero también se tiene que estar aquí y ahora en una selva de madrugada, por ejemplo, sin abandonar físicamente aquel espacio. El concepto de “el aquí y el ahora” guarda un estrecho vínculo con el de “atención”, que se debe diferenciar del de “concentración”.
  • Socialización. Dentro de esta encontramos los aspectos de relación, grupo, aceptación y cooperación. En lo referente a este objetivo, todo comienza invitando al alumnado a que se relacione conforme a los principios metodológicos planteados más adelante, con especial atención a la técnica de la mezcla. A esto le seguirá un enfoque cooperativo de la actividad, basado en la aceptación y en la idea compartida de grupo.
  • Creatividad. Cuando hablamos de creatividad nos referimos a muchas cosa. Por ejemplo, imaginación, competencia para solucionar problemas, autorealización personal, generación de productos para el bien social y creatividad paradójica o resiliencia. La mayor parte de los teóricos están de acuerdo en que en la creatividad intervienen, básicamente, cuatro factores: fluidez, flexibilidad, originalidad y elaboración.
  • Valoración crítica. Esta implica el conocimiento y comprensión de las diversas expresiones artísticas en diferentes momentos históricos y culturas. Las competencias que se promueven a través de este eje permiten al alumnado: establecer relaciones entre diferentes formas de expresión artística, comprenderlas, valorarlas, hacer juicios críticos y argumentados. En síntesis, se trata no solo de la apreciación de los productos y valores artísticos a nivel global y local, sino también de los propios.

La  creación  artística  contemporánea,  en  particular  la  escénica,  tiene  en  sus  procesos  creativos  una  serie  de  principios  que son a  su vez utilizados por  las  pedagogías  emergentes. Por ejemplo: escaperoom educativo,  la  clase invertida,   el  art  thinking , la gamificación, el aprendizaje basado en proyectos-ABP-, el aprendizaje  cooperativo -AC-, etc.  Detrás de estas pedagogías activas están latentes diferentes propuestas dramáticas.  Para  la  Clase  Invertida  debemos  elaborar videotutoriales  en  los  que  el  dominio  de  la palabra y la presencia en público son esenciales; para el Art Thinking debemos hacernos preguntas similares a las que se plantean todas las artes performativas o el teatro. Para  explicar  las  metodologías  como  el  Aprendizaje  Basado  en  Proyectos  (ABP)  o  el Aprendizaje Cooperativo (AC), no hay mejor metáfora que el proceso de montaje de una obra teatral.

Además, vamos hacia un nuevo paradigma educativo y social, basado en la horizontalidad, en la colaboración, en las técnicas del aprendizaje y el conocimiento (TAC), en la comunicación  mediada  por  el  ordenador  (ya sea síncrona  o  asíncrona ),  en  la  cooperación  y  en  el  desarrollo  comunitario.

Ante esta perspectiva, el objetivo prioritario es cambiar la perspectiva del profesorado de  esta  materia.  No  es  relevante  si  el  alumnado  memoriza o no textos escritos. Lo que tenemos que hacer es basar el trabajo exclusivamente en dar la voz a los chicos y las chicas. Y además, se debe partir de la base de que cualquier espacio puede ser teatral o escénico. En ese sentido las propuestas escénicas más contemporáneas son de especial utilidad.

Las nuevas orientaciones en teatro las podemos enfocar desde las modalidades teatrales contemporáneas como teatro de investigación, teatro biográfico, biodrama, teatro sensorial, teatro verbatim y headphone verbatim entre otros. También desde los nuevos campos en que el teatro se aplica com el teatro para la inclusión (personas con capacidades diversa, con TEA, síndrome de Down, etc.) y teatro en la web social. Por último, los nuevos enfoques para valorar la calidad de las obras artísticas como el método IAN (Intention/Abillity/Necessity).

Es  necesario  seguir  difundiendo  las  virtualidades  del  teatro  y  de  estrategias  didácticas  dramáticas como instrumento transversal para el logro de las competencias básicas y para el desarrollo personal, social y cultural de los discentes. Pero, desafortunadamente hoy en día aún existe una parte del profesorado que muestra reticencias y falta de confianza, tan necesaria para enseñar las artes y enseñar con las artes, pues son conscientes de que carecen de la formación específica necesaria para esta tarea. La profesionalidad del docente exige que ha de formarse en la metodología que permita a su alumnado obtener los resultados más eficaces en su anhelo de crecer como personas. Y que se ha de arriesgar  y  tirar  las  muletas  del  modelo  didáctico  más  fácil  de  llevar  a  la  práctica  para él,  pero menos  efectivo para  su  alumnado.  Y  el  teatro  y  las  estrategias  dramáticas  le  proporcionan  un  instrumento muy potente para lograr este fin.

Para saber más:

  • Motos Teruel, Tomás y Méndez Martínez, Emilio. (2022). Teatro en educaciónsin memorizar textos. 77+1 técnicas dramáticas y teatrales. Barcelona: Octaedro.
  • Motos Teruel, Tomás y Navarro Amorós, Antoni. (2021). ¿Hacia dónde puede ir el Teatro en la Educación?, Trayectoria, 9, 10-41.

 

Recuperando la presencialidad en los talleres de teatro

En los tiempos difíciles de la pandemia y el consiguiente confinamiento partiendo del principio de que toda crisis es una oportunidad, provechar la pandemia para repensar los principios de la didáctica de las técnicas dramáticas. En consecuencia, Tomás Motos Teruel y Antoni Navarro Amorós, escribimos este artículo ¿Qué cambiar en la didáctica de las enseñanzas artísticas en tiempos de pandemia? para intentar dar respuesta a los retos en aquel momento se nos planteaban.

Felizmente estamos en situación de recuperar la presencialidad en los talleres de teatro aplicado. En nuestro caso estamos contentos de la acogida que están teniendo los programas del «Diploma de Teatro en la educación» y del «Máster en teatro aplicado«. Estamos en el proceso de formalizar la matrícula y se ha ampliado el periodo de inscripción hasta el 8 de octubre 2021 porque queremos recuperar las clases presenciales con un grupo de alumnado nutrido que nos permita desarrollar las dinámicas propias de los talleres de teatro.

Desde el MTA estamos implicados en tratar de entender que está ocurriendo con las técnicas dramáticas aplicadas a la educación y en este sentido hemos reflexionado sobre ¿Hacia dónde puede ir el Teatro en la Educación?.

Esperemos que este curso 2021-22, siguiendo todos los protocolos de las autoridades sanitarias y de la cultura segura, sea el año de la prensencialidad, la proxémica, el convivio teatral, el ritual… es decir, la esencia de la teatralidad como arte del colectivo.

Teatro en la educación para la formación del profesorado

El Máster en Teatro Aplicado sigue vivo. Como nuevos retos para dar a conocer la metodología del teatro en la educación este curso escolar iniciamos una colaboración con el CEFIRE de València, que amplía la ya establecida con el CEFIRE Artísticoexpresivo. Además de las jornadas de formación del profesorado que veníamos realizando, este año colaboramos con el Cefire de Valencia ofertando el curso: “Estrategias dramáticas para la dinamización del aula”.

El curso será eminentemente práctico y en este caso dentro de los campos que abarca el teatro aplicado (teatro social, teatro en la educación, dramaterapia y teatro en las organizaciones), nos centraremos en el teatro en la educación en la doble vertiente de utilizar las técnicas dramáticas como estrategia curricular y como instrumento para la mediación e inclusión.

  • Inscripción en el Cefire de Valencia.
  • Fechas de realización: miércoles del 5/02/20 al 29/04/20
  • Lugar de realización: Antigua Escuela de Magisterio
  • Horario de las sesiones: De 17:30 a 20:30 h.
  • Duración del curso: 30 Horas
  • Destinatarios: Todo el profesorado de todos los ámbitos educativos
  • Ponentes: Rafa Palomares, David Bautista y Marc Escrig.

Objetivos

  • Conocer la importancia del teatro como instrumento de inclusión.
  • Valorar el teatro como medio para el desarrollo de la inteligencia emocional.
  • Desarrollar la expresión para ser y hacer personas creativas.
  • Tomar conciencia de los beneficios de las técnicas dramáticas en el desarrollo positivo de los jóvenes.
  • Utilizar las metodología del taller de dramatización-teatro.
  • Adquirir las estrategias para evaluar las prácticas dramáticas.
  • Aprender a utilizar el teatro como instrumento de mediación.

Contenidos

  • Introducción a las metodologías del Teatro foro y del Teatro imagen.
  • Fases del taller de dramatización-teatro.
  • Las técnicas dramáticas para conseguir los objetivos del currículum.
  •  Utilización de las modalidades dramáticas como recurso para el desarrollo del lenguaje total
  • Introducción al teatro Playback en ámbitos socioeducativos.
  • Utilización de las técnicas del teatro aplicado en la mediación para la resolución de conflictos.

Bibliografía

  • Mora, F. (2016) Neuroeducación (Solo se puede aprender aquello que se ama). Madrid: Alianza 
  • Motos, T. (2003) Cerebro emocional, educación emocional y expresión corporal. En Sánchez y otros Expresión, creatividad y movimiento. Salamanca: Amarú Ediciones (pág. 101-118).
  • Motos, T. Baraúna, T.  (2009) De Freire a Boal. Editorial: Ñaque
  • Motos, T.; Palanca, X.;  i Navarro, A. (2018) Taller de teatro y danza. Barcelona: Octaedro.
  • Fernandez, A. (ed.) Teatro  Playback: historias que nos conectan. Barcelona: Octaedro. 
  • De la Torre, S. i Moraes, M.C. (2005) Sentipensar (Fundamentos y estrategias para reencantar la educación). Málaga: Aljibe.

Aprovechamos para informaros de las fechas de las  jornadas de formación de teatro en la educación a las que también os queremos invitar.  

Jornada de Teatro en la educación en CastellóSábado 7 de marzo de 2020 en centro a determinar de Castellón. Horario de 9:00 a 20:30 h. El CEFIRE Artístico-expresivo certificará a los que sois docentes y al resto lo certificaremos desde el MTA. 

Jornada de Teatro en la educación en ValènciaSábado 28 de marzo de 2020 en la sala inestable de Alicante. Horario de 9:00 a 20:30 h. El CEFIRE Artístico-expresivo certificará a los que sois docentes y al resto lo certificaremos desde el MTA. 

Jornada de Teatro en la educación en AlacantSábado 4 de abril de 2020 en las Cigarreras de Alicante. Horario de 9:00 a 20:30 h. El CEFIRE Artístico-expresivo certificará a los que sois docentes y al resto lo certificaremos desde el MTA. 

Si se produce algún cambio os tendremos informados. Seguidnos en las redes:

Escritura de textos dramáticos

El objetivo primordial del taller impartido por Patricia Pardo será el de *facilitar recursos con los que incentivar y entrenar la escritura dramática *en vuestro alumnado. Cómo motivar, impulsar, hacer escritura.

Para ello, os transformaréis en autores de textos teatrales a través de ejercicios dirigidos. Esta práctica nos permitirá:

  • disponer de ejercicios y disparadores prácticos;
  • producir y analizar diferentes figuras lexicosemánticas y pragmáticas;
  • localizar diferentes recursos pedagógicos para llevar a cabo la práctica escrita;
  • reconocer la escritura como expresión conductora/asimiladora de otros contenidos curriculares asociados al área de lengua, literatura, medio natural, social y cultural, educación en valores…;
  • disfrutar con la escritura y de la autoestima y autonomía generadas.

Además, facilitaremos un dossier que reúne de manera sencilla apuntes teóricos más, facilitamos  un dossier que reuneix de manera senzilla apuntes teóricos o reflexions de diferents autors (J.A. Marina, D. Cassany, D. Escardó…) alrededor del código escrito y la composición de texto (la competencia textual); recursos pedagógicos con las que llevar a cabo o hacer inmersión en la práctica escrita; teoría y recursos de escritura; reflexiones sobre la corrección de los textos o qué hacer con los escritos dramáticos una vez elaborados y corregidos; bibliografía.

En cualquier caso, para accionar en terceros el *interés por la escritura* -en este caso la dramática-, debo hacer una recomendación, bastante obvia en cualquier caso: previa o paralelamente a invertir energía en fomentar la escritura entre el alumnado, se debe motivar y fomentar, necesaria e indispensablemente, el *interés por la lectura.*

Sin lectura no hay escritura. Difícilmente gozaremos escribiendo si antes no hemos gozado leyendo. Difícilmente escribiremos bien si no somos buenos lectores. Y es probable que sin conocer los mecanismos de análisis de lo que se lee, difícilmente podamos analizar lo que uno mismo escribe.

Además, y dado que nuestro objetivo es el de la escritura dramática, no solo deberemos leer, sino *ver teatro*. Crear grupos de visita, organizar excursiones.

Y finalmente, para completar el proceso: *dramatizar*, poner en pie lo que han escrito los alumnos. Porque el texto dramático tiene esa “misión”, la de ser representado, lo cual nos ayudará a alcanzar:

  1. el interés por la expresión escrita,
  2. el desarrollo de la expresión corporal, plástica, creativa que
  proporciona hacer teatro, ¡y a través de unos textos propios!,
  3. el entrenamiento y asimilación de emociones y valores, como la autoestima o la empatía.

Materiales del módulo:

Jornada de Teatro en la educación

El drama es la forma de arte más completamente personal que tenemos, así como la más socializadora. McCaslin (1990:18)

 

Si existen estrategias didácticas donde más se implique al alumnado estas son las dramáticas. De aquí la toma de conciencia del profesorado de que se ha de formar en la didáctica teatral. Pensamos que este tipo de formación puede resultar muy útil para que el profesorado de cualquier materia, área y nivel, tanto para el extrovertido y expresivo como para el introvertido y poco expresivo. El entrenamiento en este tipo de técnicas hace que los docentes se sientan más seguros, mejor ubicados, e incluso, muy posiblemente más motivados en su práctica profesional. Como afirma Gómez Souto, el docente de hoy en día “es un actor que vive con la paradoja de no saber que lo es” (2007:8).

Teniendo en cuenta estos planteamientos desde el Máster en Teatro Aplicado, en colaboración con el Cefire Artísticoexpressiu, la Sala Inestable y el IVAJ, hemos impulsado la «Trobada de Teatre Jove» que en esta quinta edición culminará con una jornada de formación del profesorado: «Jornada de Teatre en l’educació«.

Cliqueu damunt de la imatge per veure l’Album fotogràfic de la V Trobada de Teatre Jove>>>

I ací per a l’album de la Jornada de Teatre en l’Educació de València>>>.

Album de la Jornada de Teatre en l’Educació de Castelló>>>.

 

 

 

 

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Psicopedagogía de la dramatización

«El elemento visual de la escena y la puesta en situación de los discursos son las marcas de la teatralización.» Patrice Pavis

Dramatizar es tanto como teatralizar, es decir, dotar de estructura dramática a algo que en principio no la tiene. Es dar forma y condiciones teatrales: diálogos, conflicto entre personajes, acción, etc.

La dramatización no tiene como finalidad formar actores, directores de teatro, escenógrafos -es decir «artistas», como se suele decir coloquialmente- sino despertar al individuo para que tome conciencia de sí mismo, de los otros y del mundo que le rodea. Tiene como meta el proceso del crecimiento personal y grupa a través del juego dramático. El teatro entendido como arte dramático pone el acento en la representación, mientras que la dramatización en el desarrollo de la persona y del grupo.

El cubo de las actividades dramáticas, Tomás Motos


Material del módulo
:

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TFD Teatro en la Educación

TFD (Trabajos Finales de Diploma) del Postgrado de Teatro en la Educación 2016-17

La temática de los Trabajos Fin de Diploma (TFD) de Teatro en la Educación de 2016-17 ha sido muy variada y reflejan los intereses profesionales y la procedencia de nuestro alumnado. Cada uno de los alumnos tuvo que realizar un taller práctico de 20 minutos sobre una actividad que estuviese incluida dentro del plan de intervención de los respectivos trabajos.

Master-Teatro-Aplicado-Tomas-Motos

  1. Laura ALVAREZ y Sara LOMANTO. Hacerse oír en una sociedad que no escucha. Proyecto de diversidad funcional, intelectual basado en pedagogía teatral.
  2. Sonia CASQUETE. Les arts manen. Taller interarts per fomentar la creativitat
  3. Lola CASAÑ. Reconociendo emociones. Teatro aplicado en educación infantil como herramienta para trabajar la inteligencia emocional.
  4. Carla BRIEBA. Trabajar nuestro espejo. Viaje introspectivo  para poder reflejarnos en comunidad.
  5. Valeria BORDAMALO. El entrenamiento actoral como práctica creativa. El entrenamiento actoral como práctica creativa surge de un semillero de investigación teatral y experimental que busca crear un entrenamiento corporal y vocal por medio de la improvisación y la creación colectiva haciendo aflorar el inconsciente colectivo a través de la música y el teatro.
  6. David BAUTISTA. Teatro y convivencia. Técnica de teatro aplicado para la resolución de conflictos con alumnos de secundaria.
  7. Paula ETCHEVERRY. Proyecto socio educativo de concienciación y reivindicación con comunidades. Actividades de entrenamiento actoral, de improvisación y técnica Meisner para la creación un grupo de teatro de investigación.
  8. Lucía CAPLLIURE. Estigma y salud mental.
  9. Rafa RODRÍGUEZ. El bosque negro. Taller de creación escénica inmersiva y sensorial.
  10. Inés GOMEZ. Metáforas corporales. Ideas base para crear recursos de expresión corporal para un taller de teatro con jóvenes y adultos en ámbitos educativos y socioculturales.
  11. Rosa PASQUAL.  Fem teatre, a tornallom. Cambiamos conductas a través del teatro.
  12. Raquel SANZ. Emplea-te a fondo. Taller de teatro como herramienta para la búsqueda de empleo en colectivos de exclusión social.
  13. Jose Manuel SORIANO. Teatro aplicado a la empresa. La improvisación para presentaciones en público.
  14. Lucía CERVANTES. La pedagogía lúdica y las artes para introducir el teatro con niños.

Teatro con personas con NEE

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«Los antropólogos creen que la primera manifestación artística del ser humano, antes de pintar, crear música o esculpir, fue la danza, porque para practicarla no necesitaba ni pintura, ni instrumentos musicales, ni herramientas, que debió inventar más tarde. Pero tenía su cuerpo y podía moverlo. Y lo movió. Y, de este modo creó la danza.» Artes escénicas y danza. Ed. Bromera

El profesor Gilberto Scaramuzzo centrará su módulo en el trabajo específico que lleva a cabo con personas con NEE (Necesidades Educativas Especiales) y la utilización de las técnicas dramáticas para el desarrollo personal de estos colectivos. La fundamentación teórica de la práctica que realizaremos con el profesor Gilberto la encontraréis en el documento que tenéis a continuación (en inglés) titulado «El homo mimeticus de Aristóteles como paradigma educativo para la convivencia humana».

Correspondence: Gilberto Scaramuzzo, Direttore Master in Pedagogia dell’Espressione, Dipartimento di Scienze della Formazione/Department of Education, Universit`a Roma Tre-Via Milazzo, 11b-00185, Rome, Italy. Email: gilberto.scaramuzzo@uniroma3.it

MATERIAL:

WEBGRAFIA:

Curación de contenidos para la formación de espectadores

La «curación de contenidos» que como los « community manager » nacieron en el mundo de la empresa desde bien pronto fueron aplicados a los ámbitos socieducativos y culturales. Las gentes de teatro y educación somos cada vez más conscientes que Internet, los ‘social media’ o medios de comunicación social y las técnicas de micromecenazgo cultural constituyen  una estrategia óptima para « romper la quinta pared » y tender puentes entre el mundo de las artes y los potenciales usuarios de la cultura. Los curadores de contenido son conscientes que no necesitan saberlo todo sobre su área de conocimiento pero sí saber buscar la información pertinente, seleccionarla, añadirle valor y compartirla en las redes. Esta labor la podríamos definir como:

– “Un Content Curator, un Intermediario crítico del conocimiento, es alguien que busca, agrupa y comparte de forma continua (recordemos la real time web que vivimos) lo más relevante (separa el grano de la paja) en su ámbito de especialización”. Dolors Reig (2010).

– Curation es la actividad que llevan a cabo personas apasionadas por un área de contenido, consistente en encontrar, contextualizar y organizar información. Proporcionan una constante actualización de aquello que es interesante, está pasando, y es cool en su foco de interés. Tienen un punto de vista personal y coherente, y proporcionan un contexto fiable al contenido que descubren y organizan”. Steven Rosenbaum (2012)

Medée_Kali_teatre_romà

Cada vez más nos encontramos con teatreros cibernautas que saben sacarle provecho a la red para mantener vivos los proyectos que crean y persuadir a nuevos públicos.  Estos teatreros con los instrumentos de la Web 2.0 son « prosumidores », es decir, usuarios de la red que no se limitan a consumir contenidos sino que saben cómo crearlos y lo que es más importante cómo compartirlos y comunicarlos para lo cual se inspiran en los principios básicos de curación de contenidos y aplican algunas de las estrategias siguientes:

  • Promueven el carácter colaborativo para la creación de contenidos en red, en el que la figura del autor o director se ciñe a ser quien impulse la línea de pensamiento que al final se elabora entre todos los participantes.
  • Asumen que han desaparecido las fronteras entre el trabajo profesional y las aportaciones amateurs tanto en la crítica teatral, en la interpretación actoral, como en la creación de textos. En la web tan importante es el conocimiento profundo que tengamos del tema que tratemos como el saber ponerlo en circulación.
  • Aparecen las figuras de los superusuarios de la red o «residentes digitales» que saben crear una comunidad de lectores, escritores y usuarios de las propuestas culturales que divulgan de manera viral ya que la han adquirido como un liderazgo natural por sus servicios a una comunidad específica en este caso a los amantes del teatro.
  • Utilizan el etiquetado social (marcadores socials, tags o etiquetas en blogs y webs, hashtags en twitter, etc.) para dar a conocer sus preferencias estéticas o proyectos que consideran relevantes.

A continuación os ponemos algunos ejemplos de críticas teatrales en red y su repercusión en los usuarios:

  • #tuiteatreros : que también utilizan hashtags como #teatroentwitter; #teatro; #teatroenlaeducacion; #TeatreAlesAules; #TallerdeDramatización; etc.
  • #teatroblogs : desde hace tiempo hemos impulsado una « blogosfera teatral » que contribuya a la visibilización de los proyectos teatrales emergentes y que tienen en cuenta la vertiente educativa.
  • #postfunció : una muy buena manera de compartir las críticas de espectáculos y compartir entre iguales que hace poco ha creado una versión valenciana #postfuncióVLC.

Y ahora os preguntaréis que ¿por dónde empezar? porque, a poco que hayáis navegado por el mundo del teatro en el ciberespacio habréis comprobado la infinidad de fórmulas para intentar captar la atención del público potencial. De entrada os propondríamos de armar bien vuestro proyecto teatral como hecho comunicativo y a continuación que intentéis definir una «identidad digital» coherente para este proyecto. Para que esta identidad digital sea efectiva será importante que analicéis las características de los instrumentos de la Web 2.0 que vayáis a utilizar, es decir, que sean accesibles y prácticos, colaborativos, sociales, multidireccionales, interactivos -que se puedan dejar comentarios, navegables, espacios flexibles con posibilidades de transformación (no hay nada más poco sugerente que una página estática), que se pueda remezclar, rehacer y compartir con facilidad y sobre todo con posibilidad de sindicación de contenidos.

El siguiente paso para que nuestro proyecto teatral funcione en las redes consistirá en poner nuestro potencial creativo al servicio de la idea. Exactamente igual como un director de escena piensa en todos los  signos teatrales, se asesora con un buen dramaturgo y  confia en el saber hacer de escenógrafos, diseñadores de vestuario, creadores de espacios lumínicos o en un buen atrezzista, aquellos que queráis orquestar una buena campaña de difusión en las redes deberéis colaborar con especialistas que os ayuden a crear multimedias sociales que ayuden a que el mensaje llegue al público. Par ello os ponemos algunos referentes (hay muchos más pero estos son los más sociales) que estamos utilizando para el Máster en Teatro Aplicado:

Este pequeño listado es solo a título ilustrativo porque Internet está en continua evolución y los usuarios más jóvenes han aprendido a fluir por la red («Be water my friend«) y a no engancharse a ningún recurso que no responda a las necesidades de cada momento. Con todo, no cabe olvidar que las tecnologías no son nada si no nos sirven para conectar con las personas, pues lo dicho…

… NOS VEMOS EN LOS TEATROS.

MATERIALES:

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