Trabajos final de Máster en Teatro Aplicado 17-19

Los TFM del Máster en Teatro Aplicado de la 2a edición 2017-19 se adaptan a los tiempos y responden a las inquietudes que los cambios sociales y el nuevo paradigma educativo han generado. Así veremos que continuan teniendo mucha relevancia las investigaciones sobre las técnicas dramáticas para el aprendizaje correcto de las lenguas (incluso la gramática); el teatro del oprimido en sus diferentes formas de teatro social; o la utilización del teatro para la inclusión y atención a la diversidad.

Estas son las personas y sus investigaciones.

1. Beatriz Herrero. Título: Teatro foro en Ecuador: experiencia en el contexto del terremoto del 16 de abril de 2016. Resumen: El presente trabajo es una descripción y análisis cualitativo de doce entrevistas realizadas como resultado de una intervención con Teatro del Oprimido en Ecuador en el contexto de emergencia humanitaria y desarrollo. La primera parte es un marco teórico en el que se establece una perspectiva del Teatro para el Desarrollo, el Teatro Aplicado y el Teatro del Oprimido, describiendo los orígenes del Teatro para el desarrollo, sus bases, la evolución del término y las bases teóricas del Teatro del Oprimido, lo que permitirá profundizar en el análisis posterior. La segunda parte se centra en el análisis de las entrevistas con los y las participantes estableciendo las correlaciones con dos aspectos: la protección de la niñez y la adolescencia en situación de emergencia y la bibliografía sobre Teatro del Oprimido y Teatro para el Desarrollo, tratando de mostrar si a través de los aportes de las personas entrevistadas se han cumplido objetivos. La intervención refleja los resultados de una gira teatral, realizada por la Corporación cultural Juego en escena de Ecuador, en el marco de la campaña “Ojo con las niñas, ojo con los niños” enfocada en prevenir la vulneración de los derechos de la niñez y adolescencia en el contexto del terremoto ocurrido el 16 de abril de 2016 en la costa ecuatoriana.

Palabras claves: #Teatroforo; #Teatrodeloprimido; #Teatroparaeldesarrollo; #Teatrosocial

2. Carla Brieba: Título: El Teatro Aplicado como método de aprendizaje-enseñanza de gramática española en el primer curso de ESOResumen: Este trabajo tiene el propósito de ser una muestra de intervención de la aplicación de las técnicas dramáticas como metodología de enseñanza para la adquisición de los contenidos de gramática dentro del  urrículo de la ESO para la materia de Lengua Castellana y Literatura. El estudio ha sido realizado con un grupo de 12 alumnos/as de 1o ESO del IES Benimàmet, en la provincia de Valencia. La intervención ha consistido en 14 sesiones de 55 minutos de duración durante cinco semanas en el tercer trimestre del curso escolar 2018/19. Se ha realizado antes y después una prueba escrita sobre contenidos gramaticales  que se pretendían trabajar y un cuestionario para medir las variables actitudinales hacia las clases y el método; y también hacia la materia, el grupo y la profesora. 

Palabras clave: #actividadesdramáticas; #juegodramático; #teatroyenseñanzadelalengua; #gramáticadramática; #teatroenlaeducació

3. Guillermo Tormo. Título: El teatro aplicado como metodología integradora para el desarrollo social del alumnado TEA. Un estudio de casoResumen: El presente trabajo, tiene por finalidad presentar un estudio de caso, de cómo el teatro aplicado, puede dar una respuesta educativa integral a un alumno de primaria,  diagnosticado con trastorno del espectro autista TEA. A través de un programa de teatro aplicado, de 15 semanas de duración, se potenciarán de manera directa las habilidades sociales y lingüísticas del propio alumno, pero también su confianza y sus producciones comunicativas en su entorno familiar y en la propia dinámica del centro, aumentando su nivel de  participación en el aula, su autoconcepto y la integración o inclusión en su aula ordinaria.

Palabras claves: #TrastornodelEspectroAutista, #TeatroAplicado, #InclusiónyTeatro, #HabilidadesSociales, #JuegoDramático

4. Clara Bellavista. Título: Pretextos dramáticos como recurso socioeducativo para promover la resolución de conflictos y el pensamiento crítico: una revisión teóricaResumen: El presente trabajo pretende ofrecer una aproximación teórica sobre los pretextos dramáticos, una de las técnicas que se desarrollan en el drama en la educación. Se presenta en forma de revisión descriptiva con el objetivo de aportar claridad sobre esta técnica que se basta de elementos dramáticos para abordar problemáticas con grupos y promover el pensamiento crítico. Por una parte, el estudio hace un recorrido por las bases de la dramatización, diferenciándola del teatro escolar para entender el origen y contexto de los pretextos. Por otra parte, el trabajo se centra en dar información relevante sobre los pretextos, respondiendo a las preguntas de qué, por qué y cómo aplicarlos, facilitando estrategias para su aplicación en contextos educativos.

Palabras clave: #Pretextosdramáticos; #Dramaenlaeducación; #Teatrosocioeducativo; #Pensamientocrítico; #Dramatizacióndecuentos

TFD Teatro en la Educación 2019

Volvemos con los Trabajos Fin de Diploma (TFD) de Teatro en la Educación de 2018-19  que son cada vez mas diversos y una muestra de los cambios sociales que se han producido en nuestra sociedad, y a los que nuestro alumnado intenta dar respueta: la lucha feminista por la igualdad de las mujeres, la atención a colectivos marginalizados como emigrantes o personas mayores, etc. Cada una de los alumnas realizaron una explicación teórica y un minitaller práctico de 20 minutos sobre una actividad que estuviese incluida dentro del plan de intervención de los respectivos trabajos. Aquí os ponemos los títulos y los resúmenes de los TFD 2018-19:

  1. Violeta Martín. Título: El teatro como método de enseñanza de inglés en la ESO. 
    RESUMEN: Este trabajo tiene como objetivo analizar por qué el teatro es beneficioso para la enseñanza de segundas lenguas o L2, más concretamente, el inglés; y cómo este método podría aplicarse dentro de la ESO. 
  2. Laura Pérez. Título: Psicodrama y teatro para el desarrollo de la creatividad humana.
    RESUMEN: La creatividad es una capacidad innata y necesaria del ser humano. No existen personas más o menos creativas, sino personas más o menos bloqueadas. Por ello proponemos una investigación teórico-práctica sobre la creatividad, el teatro y el psicodrama como forma de desbloqueamiento personal, artístico y social.
  3. Andrea Jara. Título: El poder del actor pedagogo y Cía.
    RESUMEN: Son muchos los datos y los artículos que demuestran los beneficios del teatro en las personas. Pero, ¿qué podemos hacer los actores y las actrices dentro de nuestra sociedad? Las compañías de teatro profesionales tenemos el poder de generar movimiento y  ransformación. El teatro es el gran motor del cambio.
  4. Carlos Soler. Título: Dramaterapia con personas mayores. Teatro aplicado en centros de respiro familiar.
    RESUMEN: Proyecto teórico-práctico con el objetivo de mejorar la calidad de vida a través de la práctica teatral.
  5.  Lucía Ruíz. Título: Dramatizando personajes de la literatura universal. 
    RESUMEN: Dirigido a estudiantes de ESO y Bachillerato, a través del juego teatral se aborda el estudio literario con sus héroes, heroínas, villanos y villanas y sus grandes pasiones desde un enfoque más lúdico y creativo para que así el desubrimiento de los personajes universales no se limite solo al texto.
  6. Agné Muralyté (Lituania) . Título: Teatro del movimiento. 
    RESUMEN: Análisis de la técnicas movimiento (Mimo corporal; Dalcroze; Biomecánica; Viewpoints; Laboratorim; técnica Chéjov a partir de los impulsos; continuum de Emily Conrad; técnica Alexandre; sistema Derevo, etc.) para el entrenamiento del actor y definición de una propuesta didáctica.
  7.  Felipe Cortés (Colombia). Título: FUNTUN. Caracterización de un colectivo de teatro social en la ciudad de Valencia.
    RESUMEN: El presente trabajo, pretende analizar el funcionamiento adelantado por el grupo de teatro “FUNTUN”, perteneciente al área de sensibilización de la organización Valencia Acoge, clarificando algunos aspectos que permitan la caracterización tanto del colectivo, como de sus productos y así entender su rol dentro de la sociedad y la escena teatral. Para tal propósito se parte del panorama general en el que se incuba esta estrategia dentro de la organización que lo crea y los referentes que les han permitido proponer generar piezas teatrales como estrategia para la sensibilización, adelantando una labor pedagógica en la construcción de sociedad.
  8.  José Martínez. Título: Iniciación al teatro en discapacidad.
    RESUMEN: Con el presente trabajo de iniciación al teatro en discapacidad se enumeran y explican las diferentes dificultades con las que viven y se encuentran las personas con discapacidad en su día a día, ya que a pesar de haber logrado cambios aún hay mucho por lo que trabajar. Encontrándose estas dificultades en las relaciones sociales, la vida laboral y la vida privada y familiar. Y es ahí donde el teatro entra y ejerce un papel muy importante pues a través de este y sus numerosas actividades ayudan y fomentan la mejora y la calidad de vida de estas personas y las ayuda a realizarse más como personas. Siendo este un trabajo que se puede llevar a la práctica.
  9. Marlenne Wolburg Zapata (Méjico). Título: Taller de teatro: cuerpo y emoción.
    RESUMEN: A partir de las técnicas teatrales y otras disciplinas del cuerpo (ténicas de meditación, de yoga, deportivas, etc.) pretendemos dar instrumentos al alumnado del taller de teatro para llegar al autoconocimiento y el dominio del cuerpo.
  10.  Anna Campos. Título: Diverses i funcionant.
    RESUMEN: El treball d’investigació “Diverses i funcionant” pretén analitzar el fenòmen de la salut mental des d’una perspectiva crítica i feminista,  fent a les dones amb diagnòstics de salut mental protagonistes dels seus processos. Al mateix temps planteja una sèrie d’activitats inspirades pels tallers de dramatització-teatre per a dur a terme amb aquest col.lectiu de forma dinàmica i horitzontal. La finalitat del present treball és revisar les conductes discriminatòries que exercim quotidianament i posar en práctica ferramentes de transformació utilitzant el teatre com a via per tenir cura de la salut i la diversitat.

Formación de espectadores con los Medios Sociales

El público, F. G. Lorca dirigida por Lluís Pasqual

La formación de espectadores ha experimentado en los últimos años unos cambios exponenciales en paralelo a la evolución de la digitalización de las comunicaciones sociales con lo que se conoce como “Social Media“. En este sentido el experto en marketing cultural Eugene Carr introdujo el concepto de  “romper la quinta pared”  para mantener así un contacto permanente, pero sobre todo creativo, con los espectadores. Efectivamente  y siguiendo con el símil de “romper la cuarta pared” en la que los personajes interactuan con el público espectador, cada vez más se pone de manifiesto que si queremos llegar  a los espectadores del siglo XXI no podemos renunciar a una interacción fluida y fructífera de los creadores teatrales con el más amplio espectro de público que ejerce su función de emisor en los medios de comunicación social (blogs, redes, wikis, mensajeria móvil, etc.).

Por nuestra parte llevamos años investigando sobre instrumentes didácticos que hagan la función de mediación cultural. Éstos van desde los dossieres didácticos, pasando por la organización y difusión de todo tipo de eventos de teatro en la educación, hasta la curación de contenidos en la red con los recursos digitales  y la dimensión social que esta les confiere. Si queremos un público crítico, diverso, curioso y apasionado debemos gestionar los instrumentos de la Web 2.0 que nos permitirán incentivar la colaboración, la interacción, la mediación y en definitiva, com decíamos, romper la quinta pared que acerque los creadores teatrales a los públicos más jóvenes.

En esta web didáctica sobre la “Formación de espectadores con la Web 2.0“, que hemos preparado para el módulo, encontraréis todo tipo de referencias hipertextuales para profundizar en las ideas clave de la mediación cultural para la formación de espectadores.

Módulo impartido por Antoni Navarro

NOTA: la imagen de la entrada pertenece a la obra “Federico hacia Lorca” de la Joven Compañía de Teatro de Madrid.

 

 

Teatro de las oprimidas

EL módulo de Teatro de las Oprimidas (TO) es una oportunidad para multiplicar la metodología desarrollada por Augusto Boal. Se presentan los principios fundamentales de un teatro esencialmente crítico y se desvelan las distintas ramas del árbol que sustenta todo el universo de medios para transformar la realidad desde la ficción teatral. Y ante todo, se revela el poder transformador de un teatro que trasciende los escenarios, invade los patios de butacas e invita al público a convertirse en protagonista, éste, empoderado, asume su potencial transformador y se interpreta a sí mismo para reinventarse liberado de las opresiones de la realidad. 

Empezamos abriendo el arsenal de juegos para actores y no actores, despertando nuestros sentidos, descubriendo nuestras capacidades y nuestros límites, reconociendo a las personas con quienes compartimos, activando las cuatro ces (Corazón, Cabeza, Cuerpo, Cultura) y aterrizando en el aquí y ahora. 

En seguida aparece el Teatro Imagen, que se muestra como una herramienta capaz de hacer hablar a nuestro cuerpo sin que a nuestro cerebro le dé tiempo a manipular lo que expresamos. Así, somos capaces de representar lo concreto, pero también lo abstracto. Introducimos el sonido, la palabra y el deseo de cambio. Con la dinámica de Las Horas, nos observamos en nuestro día a día y reflexionamos sobre nuestros hábitos, luego transformamos nuestras acciones mecanizadas y las humanizamos bailándolas y transformándolas en arte. 

Caen cuatro gotas y surge el Arco Iris del Deseo, casualmente, sin pretenderlo; ésa es una de las claves del Curinga, haber experimentado muchas técnicas, desarrollar la capacidad de atender a las necesidades y tener la sensibilidad para utilizar la herramienta adecuada en el momento preciso. Exploramos las contradicciones que nos habitan con la técnica de Los Polis en la Cabeza, materializando aquellas voces internas que nos susurran a gritos lo que debemos que hacer y lo que no. 

Con la Estética del Oprimido evidenciamos la invasión ideológica a la que estamos continuamente expuestas y nos reapropiamos de los medios artísticos para producir arte desde nuestra esencia primitiva. Creamos al Ser de la Basura, un ser compuesto por nuestros propios deshechos que cobra vida y nos habla de nosotras, de lo que consumimos, de lo que somos, de lo que no somos y de lo que podríamos llegar a ser.

Vivimos una experiencia exprés de Teatro Foro. Elegimos un tema al que como grupo somos sensibles: la Presión Social. Compartimos nuestras opresiones personales, las colectivizamos y creamos una historia que nos acoge. La esquematizamos con imágenes, una ráfaga de instantáneas que sintetizan la obra. Luego, desarrollamos cada escena, ponemos voz y movimiento. Y la hacemos crecer con las técnicas de ensayo: Para y piensa, Bombardeo de preguntas, Pase para sordos, Pase con telegrama… Finalmente realizamos el Foro, entre nosotras, recogiendo las alternativas de cambio propuestas y vislumbrando cual seria el siguiente paso: revisar, reconstruir y compartir con un público.

No hay tiempo para más. Cada módulo del Máster es una ventana por la que nos asomamos durante un tiempo limitado, el suficiente para reconocer el paisaje que nos presenta, para percibir sus posibilidades y tener la breve experiencia que nos impregna de su potencial. Pero las ventanas no se cierran, quedan abiertas, sus brisas nos persiguen y en cualquier momento podemos regresar a la que queramos, colarnos en ella y seguir investigando. 

Módulo a cargo de Marc Escrig de Teatre de Caixó.

Valoración crítica de textos teatrales

¿Por qué continúa teniendo sentido la crítica de artes escénicas?

Esta es la pregunta nuclear de este módulo. Surge de la percepción de que la crítica profesional ha perdido peso en la era del ciberespacio, ya que se multiplican los espacios de opinión, por lo que el crítico profesional ha perdido valor. Pero la pregunta es si también la crítica, en sí, ha perdido peso. Si es así, ¿cuál es la razón o razones? Pueden ser muchas, pero una de ellas es, sin duda, la confusión que se produce muchas veces entre relativismo y pluralismo. De ahí la necesidad de un marco para ajustar el concepto y el derecho de la crítica a una realidad actual. Porque la crítica es una expresión inscrita en la historia de la cultura y uno de sus problemas es su propia cultura. Por ello urge reencontrar su cultura, su relato. El mejor relato es repensar su papel de ayudar a clarificar de la complejidad de la actividad artística y de la sociedad en la que está inmerso.  La buena crítica es, también, la que suscita e incita la capacidad crítica del espectador, su relación con la obra de arte y la manera de valorarla. Esto demanda la redefinición de un crítico que sea una síntesis de la persona que reflexiona y opina, que se interroga y vive una constante atención a las relaciones entre arte y sociedad. Este es, en fin, el asunto nuclear de este módulo del Master de teatro aplicado, porque, como dijo Adolfo Marsillach, “ni el arte ni la inteligencia, ni el poder ni la sociedad, ni, seguramente, la vida, tendrían sentido sin un mínimo -o máximo- de ejercicio crítico“.

Módulo a cargo de Enrique Herreras, Doctor en Filosofía, profesor de Ética y Filosofía Política en la Universitat de Valencia y de Estética en la Escuela Superior de Arte Dramático valenciana. En el campo periodístico es columnista de opinión y crítico de Artes Escénicas en diferentes medios de comunicación y colaborador en diversas revistas especializadas

Nota: la imagen corresponde a Lucía Miranda –The Cross Border Project– que estaba encargada del premio del público en los Premios Max 2019 y propuso a las gentes de teatro un juego de escribir una carta de amor al público en cuatro movimientos con los que reflexionar sobre la importancia de mantener un público crítico, diverso, curioso y apasionado.

Teatro del oprimido, un teatro para el cambio

La principal creación de Augusto Boal (1931-2009) fue el Teatro del Oprimido (TO), encuentro entre el teatro popular y la Pedagogía del Oprimido de Paulo Freire, hoy es una realidad mundial y una metodología conocida y practicada en los cinco continentes. El TO no deja de ser una extensión de la Pedagogía del Oprimido, fundamentada en sus elementos nucleares, que Boal toma sin reservas de su compatriota Freire. La obra que da nombre a su método, Teatro del Oprimido y otras poéticas políticas. En la génesis de la poética del TO, el sujeto ocupa un lugar central, siguiendo el principio, tantas veces repetido por Boal, de que todo el mundo puede hacer teatro y con ese “hacer” se iniciaría la senda de la emancipación. Pues como afirma este autor “¡Todos debemos actuar!” y “la alfabetización teatral es necesaria porque es una forma de comunicación muy poderosa y útil en las transformaciones sociales” Boal, 1975:16) y añade “actores somos todos nosotros, y ciudadano no es aquél que vive en sociedad: ¡es aquel que la transforma!” (Boal, Mensaje Internacional del Día mundial del Teatro, 27 de mayo de 2009).

Materiales del módulo:

Técnicas dramáticas para la enseñanza de lenguas

¿Las lenguas se aprenden (mejor) con técnicas teatrales?

Las técnicas teatrales  para la enseñanza de idiomas con el formato de ejercicios, juegos y simulaciones tienen una larga tradición que se inició en la década de los 60 en el mundo anglosajón.

Este módulo responde a una de las modalidades fundamentales del Teatro Aplicado. Las investigaciones confirman que el empleo de las técnicas teatrales en  las aulas de L2 produce el fomento de la competencia de comunicación, un aprendizaje más atractivo y significativo, una interacción en un contexto concreto, mejora la autconfianza (pérdida de la vergüenza) y la motivación en el aprendizaje y estimula el uso de la lengua para un mayor compromiso con su cultura y su literatura.

El módulo será impartido por Ana Gimeno quien nos presentará el Método Glottodrama para la enseñanza de lenguas extranjeras a través de técnicas teatrales. Se ilustrará la metodología por medio de dos experiencias concretas; por un lado, la del Aula de Teatro en Inglés de la Universitat Politècnica de València (http://teatro.webs.upv.es) y, por otro, la realizada con estudiantes Erasmus de la Universitat de València.

Glottodrama es una nueva metodología para la enseñanza y el aprendizaje de lenguas extranjeras a través de técnicas teatrales. No se limita a la mera dramatización de textos ni al simple juego de roles, sino que intenta explotar las técnicas de actuación y recursos teatrales, integrando estos plenamente con el estudio de aspectos como la gramática, el vocabulario, etc., para así permitir que el alumno o alumna desarrolle a la vez sus capacidades interpretativas y lingüísticas. El número ideal de estudiantes en la clase es de alrededor de 15, pero Glottodrama es un método flexible que se puede aplicar a cualquier nivel, desde elemental hasta avanzado, a cualquier edad y en cualquier contexto educativo. Un curso siguiendo la metodología Glottodrama culmina con una actuación final – una obra de teatro – un evento que suele causar enorme satisfacción entre los alumnos y los profesores que han formado parte de esta experiencia de aprendizaje.

Material del módulo:

Wegrafía:

Dramaturgia en ámbitos socioeducativo: resumen para el Postgrado de Teatro en la educación 2018/19

¿Teatro? ¿Dramaturgia? Naturalismo, cuarta pared, Brecht, distanciamiento, posdramatismo, cuestionamientos, Nosotros no nos mataremos con pistolas, El mercado es más libre que tú, Martingala, trabajo de mesa, propuesta dramatúrgica, evaluación.

Programar una unidad didáctica y montar un espectáculo teatral comparten metodología. En los dos casos, se asume un compromiso, se vislumbra una meta y se traza un camino por el que alcanzarla. En los dos casos, es importantísimo con quién trabajas, con qué equipo cuentas tanto en el diseño como en el desarrollo, porque nunca es un camino en solitario. 

El módulo “Dramaturgia en ámbitos socioeducativos” del Postgrado de Teatro en la Educación ha puesto de relieve estas afirmaciones, ya que ha experimentado  desde su diseño y, sobre todo, en su desarrollo con los alumnos la metodología por proyectos.

El proyecto de un equipo, el compuesto por Ramón X. Roselló (UV), Maribel Bayona y Rafa Palomares (Proyecto inestable), que programa una unidad didáctica encaminada a la elaboración de tres proyectos escénicos (paradigmáticos de tres modelos dramatúrgicos contemporáneos) en el ámbito socioeducativo (sistema educativo reglado, asistencia social, juventud,…) por parte de los alumnos organizados por equipos.

Como todo proyecto, por tanto, exige de conocimientos previos y de decisiones permanentes, que han sido generados, guiados y facilitados a partir de un corpus teórico al que se le ha dedicado una primera parte, las dos primeras sesiones.

Como todo proyecto, también, el módulo dedica una parte a la práctica, a la concreción en actividades encaminadas a la consecución del resultado final, a la investigación de modelos y al análisis de los materiales, así ha sido en la tercera y cuarta sesiones.

Y como todo proyecto, alcanza su meta, obtiene su resultado y se evalúa: última parte del módulo, quinta y sexta sesiones, hablando de teatro y creando teatro.

Pero, además, el módulo exige que esos proyectos sean colectivos, de equipo; y así han sido, trabajos de equipo que se han ofrecido más que como la suma de trabajos individuales, como el producto de multiplicar las ideas en un tiempo ajustado.

Es por todo esto que el módulo “Dramaturgia en ámbitos socioeducativos” ha supuesto un trabajo intenso, un proceso formativo, una experiencia de vida y muchas satisfacciones… como sucede en los procesos teatrales.

 

Teoría y práctica de la creatividad

La pregunta es la más creativa de las conductas humanas. Con esta idea en mente nos planteamos las grandes preguntas en torno a la creatividad y las respuestas que la ciencia en general y la psicología en particular os ofrecen como resultado de sus investigaciones.  Este módulo revisa los mitos y creencias erróneas en torno al concepto, explora cuáles son los  componentes psicológicos fundamentales de la creatividad (cognitivos y socio-emocionales), y cómo potenciarlos a través del teatro en entornos aplicados como la escuela, los museos, la publicidad, las empresas, etc.

Material del módulo:

TEORÍA Y PRÁCTICA DE LA CREATIVIDAD Material alumnos. Por Vicente Alfonso

El practicum de teatro aplicado

La educación verdadera es praxis, reflexión y acción del hombre sobre el mundo para transformarlo. Paulo Freire

Las prácticas son una actividad de formación del alumnado que trata de enlazar el conocimiento teórico adquirido  a lo largo de cada uno de los módulos del Máster en Teatro Aplicado con la realidad formativa, animadora y social. Estas tienen la finalidad de hacer la transferencia entre los conocimientos teóricos y el saber hacer profesional, sin olvidar la importancia de los saberes y el saber ser.

Cada año intentamos ampliar los centros colaboradores donde nuestro alumnado pueda realizar el periodo de prácticas. Para este curso hemos establecido contactos con las organciones siguientes:

Material del módulo: