Teatreros con la Web 2.0

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Hamlet-Los_Comicos_representan_ante_el_Rey_Claudio.

Hamlet de Peter Brook

HAMLET.- Tampoco seas muy tibio: tú deja que te guíe la prudencia. Amolda el gesto a la palabra y la palabra al gesto, cuidando sobre todo de no exceder la naturalidad, pues lo que se exagera se opone al fin de la actuación, cuyo objeto ha sido y sigue siendo poner un espejo ante la vida: mostrar la faz de la virtud, el semblante del vicio y la forma y carácter de toda época y momento. Si esto se agiganta o no se alcanza, aunque haga reír al profano, disgustará al juicioso, cuya sola opinión debéis valorar mucho más que un teatro lleno de ignorantes. Shakespeare

Si la materia del teatro son las relaciones interpersonales, los temas universales (amor, muerte, poder, amistad, soledad, etc.) y los conflictos humanos en todas sus dimensiones, en los últimos tiempos estamos viendo como todos  estos temas propios del teatro y de la vida en general se están viendo afectados, cada día más, por la irrupción masiva de Internet y las redes sociales. Un hecho sociológico que las gentes de teatro no pueden pasar por alto. Pero en este terrerno no todo es negativo como algunos nos quieren hacer ver.  Tal y como sucedió con otras invenciones humanas, estas nos son ni buenas, ni malas por definición, sino que depende del uso que de ellas hagamos. En este sentido  el género teatral ha encontrado, por fin, un aliado en las redes sociales que está permitiendo el resurgir de un teatro de proximidad, alternativo, diferente, único, que puede sobrevivir gracias a la democratización de Internet que permite a cualquier usuario organizar una campaña de marketing de cualquier proyecto teatral y encontrar sin problemas una respuesta eficaz entre el público joven y bien informado.

Más que grandes medios económicos los grupos de teatro lo que necesitan son ideas, proyectos y productos teatrales que respondan a las necesidades e inquietudes de sus convecinos o que sepan cómo motivarlos. Si tenemos la idea, conseguir que los usuarios la hagan suya es relativamente fácil si sabemos utilizar las redes como espacio para la comunicación y la interacción con nuestros público potencial. En primer lugar, necesitamos diseñar una campaña de marketing que ponga el acento en los  mecanismos de participación e implicación de los usuarios a los que nos dirigimos. En segundo lugar, deberemos mantener vivos los foros que nos permita interactuar con esos «espectadores juiciosos» de los que habla Shakespeare en la cita y hacerles partícipes de nuestro proyecto, y por último intentar crear una «comunidad virtual» que tenga una faceta también en la vida real y en los encuentros teatrales (antes y después de la representación). Es decir que tenemos los mecanismos suficientes al alcance de cualquier coordinador de proyectos para conseguir que estos seguidores virtuales dejen de darle al click de me gusta y vengan a las salas en cuerpo y mente.

Cada vez más nos encontramos con teatreros cibernautas que saben sacarle provecho a la red para mantener vivos los proyectos que crean y los públicos que les siguen.  Estos teatreros con los instrumentos de la Web 2.0 son «prosumidores«, es decir, usuarios de la red que no se limitan a consumir contenidos sino que saben cómo crearlos y lo que es más importante cómo compartirlos y comunicarlos para lo cual siguen algunos principios básicos no escritos pero asumidos por todos:

  • Promueven el carácter colaborativo para la creación de contenidos en red, en el que la figura del autor o director se ciñe a ser quien impulse la línea de pensamiento que al final se elabora entre todos los participantes.
  • Asumen que han desaparecido las fronteras entre el trabajo profesional y las aportaciones amateurs tanto en la crítica teatral, en la interpretación actoral, como en la creación de textos. En la web tan importante es el conocimiento profundo que tengamos del tema que tratemos como el saber ponerlo en circulación.
  • Aparecen las figuras de los superusuarios de la red o «residentes digitales» que saben crear una comunidad de lectores, escritores y usuarios de las propuestas culturales que divulgan de manera viral ya que la han adquirido un liderazgo natural por sus servicios a una comunidad específica en este caso a los amantes del teatro.
  • Utilizan el etiquetado social (marcadores socials, tags o etiquetas en blogs y webs, hashtags en twitter, etc.) para dar a conocer sus preferencias estéticas o proyectos que consideran relevantes.

A continuación os ponemos algunos ejemplos de críticas teatrales en red y su repercusión en los usuarios:

  • #tuiteatreros : «Jo de major vull ser Fermín Jimenez«. El Pont Flotant (grupo colaborador del Postgrado) está convirtiéndose en una compañía teatral casi de culto a nivel nacional e internacional gracias a los comentarios de los tuiteatreros que como comprobaréis son los que marcan las tendencias al margen de los medios de difusión masivos. Otros hastags habituales: #teatroentwitter; #teatro; #teatroenlaeducacion…
  • #teatroblogs : desde hace tiempo hemos impulsado una «blogosfera teatral» que contribuya a la visibilización de los proyectos teatrales emergentes y que tienen en cuenta la vertiente educativa.
  • #postfunció : una muy buena manera de compartir las críticas de espectáculos y compartir entre iguales.

Y ahora os preguntaréis que ¿por dónde empezar? porque, a poco que hayáis navegado por el mundo del teatro en el ciberespacio habréis comprobado la infinidad de fórmulas para intentar captar la atención del público potencial. De entrada os propondríamos de armar bien vuestro proyecto teatral como hecho comunicativo y a continuación que intentéis definir una «identidad digital» coherente para este proyecto. Para que esta identidad digital sea efectiva será importante que analicéis las características de los instrumentos de la Web 2.0 que vayáis a utilizar, es decir, que sean accesibles y prácticos, colaborativos, sociales, multidireccionales, interactivos -que se puedan dejar comentarios, navegables, espacios flexibles con posibilidades de transformación (no hay nada más poco sugerente que una página estática), que se pueda remezclar, rehacer y compartir con facilidad y sobre todo con posibilidad de sindicación de contenidos.

El siguiente paso para que nuestro proyecto teatral funcione en las redes consistirá en poner nuestro potencial creativo al servicio de la idea. Exactamente igual como un director de escena piensa en todos los  signos teatrales, se asesora con un buen dramaturgo y  confia en el saber hacer de escenógrafos, diseñadores de vestuario, creadores de espacios lumínicos o en un buen atrezzista, aquellos que queráis orquestar una buena campaña de difusión en las redes deberéis colaborar con especialistas que os ayuden a crear multimedias sociales que ayuden a que el mensaje llegue al público. Par ello os ponemos algunos referentes (hay muchos más pero estos son los más sociales) que estamos utilizando para el Postgrado de Teatro en la Educación:

Este pequeño listado es solo a título ilustrativo porque Internet está en continua evolución y los usuarios más jóvenes han aprendido a fluir por la red («Be water my friend«) y a no engancharse a ningún recurso que no responda a las necesidades de cada momento. Con todo, no cabe olvidar que las tecnologías no son nada si no nos sirven para conectar con las personas, que para que las personas conectan desde la esencia que es el juego como recuerda Peter Brook, pues lo dicho…

… NOS VEMOS EN LOS TEATROS.

NOTA: módulo coordinado por Antoni Navarro (en el enlace podréis ver un resumen de mi identidad digital que constituye mi PLE). Las imágenes de portada pertenecen a Peter Brook y a «Teatro comunitario de Madrid» a quienes agradecemos haberlas compartido.

Dirección escénica

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jouvet_1947

Louis Jouvet

“El director es quien establece el punto de vista de una noche y de la eternidad” Louis Jouvet (La profesión del director de escena)

1. Dirigir una obra teatral (o una escena) es asumir una responsabilidad artística, sin complejos, con decisión y alegría, a partir de un proyecto concreto – un texto escrito, un guión, de una idea embrionaria, etc.-, por el que sientes algún tipo de interés especial. Debes encararlo con toda la humildad del mundo, pero, al mismo tiempo, sintiéndote con toda la energía suficiente, arriesgándote a tener éxito en la empresa, y/o asumiendo también la posibilidad de fracasar en ella. Debes creer firmemente que si sale bien, el éxito será tuyo más que de nadie, aunque nadie te lo reconozca. Pero, si sale mal, el fracaso también será tuyo en la misma proporción, aunque sea por haber elegido o aceptado unos actores y/o unos colaboradores inadecuados, de cuyo trabajo te conviertes automáticamente en último responsable. Esa es únicamente la actitud correcta.

2. Una vez asumida esta decisión estética, debes responsabilizarte igualmente de que tanto tú como el equipo humano y artístico que vas a coordinar, vais a respetar las fechas de estreno (en un teatro si es un proyecto profesional o en un aula o similar si es un trabajo de escuela), y los controles que previamente hayas pactado con el productor y/o profesor.

Este módulo estará coordinado por Leo Garcia Aranda (director de la ESAD de Valencia). Aquí tenéis información sobre Louis Jouvet y los textos de referencia que utilizaremos en las sesiones, además de los textos que os hemos enviado por correo. Para Leo G. Aranda el director de escena es como un creador, y por tanto, capaz de realizar un hecho artístico más allá del hecho lingüístico. El director de escena creador decide el concepto y la estética, fija el procedimiento de trabajo y establece una metodología cuya finalidad es la de crear una coherencia en el conjunto de la puesta en escena.

PROGRAMA: 1. HISTORIA Y EVOLUCIÓN DEL CONCEPTO DE DIRECCIÓN ESCÉNICA. 2. EL DIRECTOR DE ESCENA EN EL PROCESO DE PRODUCCIÓN Y MONTAJE DE UNA OBRA TEATRAL (PRE-PRODUCCIÓN, PRODUCCIÓN Y POST-PRODUCCIÓN): a. Elección del texto b. El equipo artístico c. Elección del reparto d. Los ensayos: la dirección de actores e. Ensayos técnicos. Generales. El estreno. 3. PRÁCTICAS: Textos de trabajo: “Yerma” de F. García Lorca y “Romeo y Julieta” de W. Shakespeare. Se recomienda su lectura previa a las sesiones de trabajo.

BIBLIOGRAFÍA: EL ARTE DE LA DIRECCIÓN DE ESCENA. Curtis Canfield. Publicaciones de la Asociación de Directores de Escena de España (ADE). Madrid 1991. TRABAJO DRAMATÚRGICO Y PUESTA EN ESCENA. Juan Antonio Hormigón. Publicaciones de la Asociación de Directores de Escena de España (ADE). Madrid 1991. TEORÍA Y PRÁCTICA TEATRAL. V Vajtángov. Publicaciones de la Asociación de Directores de Escena de España (ADE). Madrid 1997. LA MÚSICA Y LA PUESTA EN ESCENA. / LA OBRA DE ARTE VIVIENTE. Adolphe Apia. Publicaciones de la Asociación de Directores de Escena de España (ADE). Madrid 2000. LOS PUNTOS DE VISTA ESCÉNICOS. Anne Bogart. Publicaciones de la Asociación de Directores de Escena de España (ADE). Madrid 2007. LECCIONES DE DIRECCIÓN ESCÉNICA. V. E. Meyerhold. Publicaciones de la Asociación de Directores de Escena de España (ADE). Madrid 2010.

Webgrafia:

– Consejos prácticos para enfocar tu primera experiencia como director/a de escena. (Extraídos del blog El sí mágico a quién agradecemos que comparta todos sus conocimientos sobre teatro y dirección)

– Biografía de Louis Jouvet.

– YERMA-Federico-García-Lorca (texto completo).

* Imagen de la entrada extraída de Importancia y vigencia de Stanislavski.

Teatro físico

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Teatro-físico-Domingo-Ferrandis

«No es que tengamos un cuerpo; somos un cuerpo.» Herbert Somplatzki.

«No iniciamos la bipedación como consecuencia de una reflexión, sino que fue al revés.» Juan Luis Arsuaga.

Módulo de «Teatro Físico» a cargo de Domingo Ferrandis. Teatro físico es el uso del cuerpo como protagonista en la narración de una historia. Puede incluir, pero no limitarse a: máscaras, pantomima y mimo creativo corporal, contact improvisación, danza, acrobacia, artes del circo, títeres, teatro de sombras, percusión y coreografías de luchas escénicas. Teatro físico en su modo performance se convierte en una representación interdisciplinaria conocida como teatro total, que valora todos los elementos de la producción por igual.

Actuaciones basadas además del movimiento, en la palabra, imágenes, sonido, iluminación, tecnología y robótica como pirotécnica, así del uso de elementos naturales como el agua, el fuego o el viento. Todo laboratorio físico nace desde la introspección, preguntarse a sí mismo qué es lo que quiere contar, por qué, cómo, e ir dándose respuestas.

Teatro fisico Domingo Ferrandis

Propuesta trabajo-Teatro-físico Domingo-Ferrandis

Desmontando el texto teatral

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L'hort-dels-cirerersAntoni Tordera, autor, director escénico y profesor.

1ª.- La mejor práctica es una buena teoría: el debate.

El teatro ha surgido en todas las épocas, y con formas diferentes existe en todas las civilizaciones. Siempre cambiando, creciente o perseguido, pero siempre activo, incombustible. Así que la cuestión es: si el teatro es una respuesta, ¿a qué pregunta responde?.

Por otro lado, parece que el teatro siempre está en crisis. Es como si la crisis fuera su oxígeno, desde la que, a lo largo de la historia, el teatro se reinventa. El problema está en que el lenguaje es perezoso para detectar, identificar y ponerle nombre al teatro que en cada época emerge. Así que la cuestión es: ¿cuáles son los rasgos del teatro que, en este momento del siglo XXI, por ejemplo en Europa, está emergiendo?. Por cierto, ambas cuestiones están interrelacionadas. Pensemos y discutamos. La reflexión es un modo de detectar.

2ª.- Le mejor teoría es una buena práctica: el análisis.

Veamos de qué herramientas se puede servir el teatro para estar vivo, cuáles son sus lenguajes vivos. Sólo así podremos abordar un texto teatral como una oportunidad creativa, como una posibilidad de supervivencia.

Sesión dedicada a desmontar el texto teatral , al que consideramos como una especie de caja negra con sus propios mecanismos, no siempre ni solamente literarios.

Para este análisis se utilizará la Escena I del Acto I de El Jardín de los Cerezos de Chejov.

NOTA: hemos tomado la imagen de la versión de L’hort dels cirerers que  Julio Manrique presentó en el Teatro Romea inspirada en la versión de David Mamet por su carga icónica como representación del ciclo de la vida.